Данная статья посвящена минимализму как музыкальному стилю и проблемам выявления его отличительных характеристик. В ходе обширной поисковой работы, переводов и изучения многочисленных зарубежных источников (некоторые из которых не введены в российский научный обиход) авторы выясняют, что в творческой практике композиторов XX века существует множество примеров сочинений с использованием техник, подобных музыке минимализма. Однако не все они могут быть даже косвенно отнесены к данному стилевому направлению. В то же время некоторые из таковых опусов стали прямой предтечей появления минимализма в музыке. Важная составляющая стратегии предлагаемого исследования – определение трудностей для обнаружения закономерностей между композиционными параметрами произведения и его принадлежностью к стилю минимализма. Это становится наиболее очевидным при рассмотрении конкретных примеров и их исторического контекста. Подчёркивается, что феноменом минимализма как направления в музыке является его концептуальная составляющая, а именно – работа со временем и движением внутри сочинения.
Статья посвящена рассмотрению слухо-зрительных синестезий в программной романтической музыке. Обращение к музыкальному искусству эпохи романтизма с точки зрения синестетики представляет актуальность и значимость в связи с интерпретацией его глубинных смыслов, постижением особенностей восприятия и осмыслением специфики творческого процесса композиторов-романтиков. Основой исследования стал комплексный подход, объединивший аспекты целостного и синестетического методов, а также метод теоретического обобщения и сравнения. Как показано в работе, на фоническом уровне слухо-зрительные синестезии в программной музыке композиторов-романтиков, являясь выразителями изобразительного начала, одновременно формируют глубинные смыслы музыкального текста; на интонационно-драматургическом и композиционном уровнях определяют характер взаимодействия таких межвидовых эстетических признаков как музыкальность, живописность, театральность, поэтичность и поэмность, обусловливая особенности музыкальной формы и логику её интонационно-смыслового становления.
На базе корпуса материалов авторитетного журнала «Музыкальная академия» за период 1993–2003 гг. анализу подвергается творческая деятельность представителей одной из ведущих отечественных композиторских школ – петербургской. Импульсом в исследовании обозначенной темы послужило опубликованное в 1995 году в журнале интервью с двумя её представителями – Г. Банщиковым и С. Баневичем, в котором оба автора демонстрировали достаточно разнозренное понимание особенностей своей школы. Соответственно цель настоящей работы заключается в изучении жанрово-стилистической специфики творчества петербургских композиторов в парадигме «традиция-новаторство» в рецептивном поле издания на рубеже XX–XXI веков. Для её реализации были отобраны информационно-аналитические публикации о А. Петрове и Б. Тищенко, как наследников школы Шостаковича, и С. Слонимском, творческие устремления которого во многом роднят его с «русской пятёркой». В конечном итоге был сделан вывод: петербургские композиторы, чья музыка отличается «стройностью», «логичностью», «избирательностью» в выборе средств музыкальной выразительности, продолжают развивать унаследованные ими великие традиции, однако реализуют это на качественно новом уровне, избирая тем самым интенсивный путь новаторства.
В статье привлекается внимание к одной из ярких страниц истории музыкальной жизни Красноярска в годы Великой Отечественной войны. Она связана с деятельностью эвакуированных в сибирский город Днепропетровского и Одесского оперных театров (с сентября 1941 г. по июнь 1944 г.). На основе имеющихся архивных материалов и публикаций в газете «Красноярский рабочий» автор воссоздаёт репертуарную афишу на протяжении трёх военных сезонов, приводит фрагменты рецензий, характеризующих постановки, акцентирует внимание на наиболее значимых творческих личностях, включая режиссёра М. П. Стефановича, дирижёров Л. И. Гискина и И. С. Штеймана, ведущих солистов О. И. Благовидовой, С. М. Тухнер, А. Ф. Кривчени и др. Анализ публикуемых в газете анонсов позволил выявить активное участие музыкантов Объединённого Днепропетровского и Одесского театра оперы и балета в музыкальной жизни Красноярска, выступавших не только на сцене драматического театра им. А. С. Пушкина (520 спектаклей за весь период пребывания), но и в госпиталях, воинских частях, на промышленных предприятиях и в колхозах (1800 концертов). Важным результатом после отъезда театров стало открытие в ноябре 1944 года Красноярского краевого театра оперетты.
В статье исследуется роль исторического портрета в монументально-декоративном искусстве (МДИ) как элемента культурно-образовательной среды технического университета. На примере Иркутского национального исследовательского технического университета анализируются современные подходы к интеграции МДИ в архитектурное пространство и его педагогическую функцию. Особое внимание уделено трём ключевым дипломным проектам выпускников кафедры монументально-декоративной живописи, демонстрирующим синтез художественных традиций и современных технологий. Результаты исследования подтверждают, что исторический портрет в МДИ выполняет не только декоративную, но и воспитательную роль, способствуя формированию корпоративной идентичности и исторической памяти. Новизна данной работы заключается в акценте на региональные особенности сибирской школы МДИ и её вклад в визуальную педагогику.
Данная статья посвящена вопросам формирования визуального имиджа модели в условиях кросс-культурного диалога. На основе междисциплинарного анализа и личного профессионального опыта автора аргументирована необходимость трансформации классических визуальных стратегий с учётом культурных маркеров, семиотических систем и социальной риторики. В работе рассмотрены разные культурологические подходы к визуальной репрезентации, в частности, сквозь призму семиотики культуры (Ю. М. Лотман), теорий идентичности (С. Холл), символического насилия и вкуса (П. Бурдье), а также современной мифологии моды (Р. Барт). Предложенная автором методика визуального позиционирования модели в контексте глобализированной медиасреды включает адаптивную, интегративную и трансформативную модели формирования имиджа, каждая из которых соотнесена с культурной средой. Отдельное внимание в статье уделено рискам культурной апроприации, интерпретации визуальных символов и этическим границам визуальной репрезентации.
В статье с позиций межпластовых пересечений и творческого диалога традиций (академической и массовой музыки) рассматривается госпел-альбом “Handel’s Messiah: A Soulful Celebration” (prod. by Quincy Jones, 1992), который представляет собой ремейк великой оратории Г. Ф. Генделя в традициях афроамериканской музыки. Указываются образно-содержательные и художественные стороны «Мессии», оказавшиеся близкими для современных музыкантов, носителей госпел-традиции; выявляются особенности их обращения с музыкой оратории. Сравнительный анализ оригинала и госпел-версии позволяет выявить следующие особенности работы с генделевским текстом: выбор номеров в соответствии с замыслом создателей альбома; преобладание торжественных, гимнических звучаний; сохранение контура тем во многих избранных номерах оратории при дальнейшем варьировании в афроамериканском стиле; усиление ритмического начала; изменение исполнительского состава во многих композициях альбома; исполнение-импровизация номеров в характерной, неакадемической манере, которая подчёркивает эмоциональную выразительность слова. Авторами исследования определяется роль госпел-версии оратории в популяризации сочинения Г. Ф. Генделя, в формировании музыкального вкуса современной аудитории.
Целью данной статьи является рассмотрение сочинений для ятаги бурятского композитора Л. Н. Санжиевой в связях с национальной культурой. Данный традиционный инструмент прочно вошёл в музыкальный обиход Бурятии в 1970-е годы, и в Восточно-Сибирском институте культуры был открыт специальный исполнительский класс. Анализируемый сборник «Сочинения для ятаги» (2012) предназначен как для совершенствования мастерства ятагисток в учебном процессе, так и для концертной практики. Выявлена связь произведений, представленных в издании, с образами природы («Зов изюбра», «Пробуждение», «О чем поют саранки», «Олений рог»), историческими персонажами («Юрта в степной дали»), национальными культами и легендами («Путешествуя по Тунке», «Алтан мундарга», «Харагун»). Обнаружена преимущественная опора партии ятаги на ангемитонную пентатонику минорного наклонения, широко распространённую в бурятской традиционной культуре, в сочетании с семиступенными звукорядами в партии фортепиано или оркестра. Синтез типовых интонационных оборотов с авторскими мелодическими находками свидетельствует о творческой изобретательности Л. Н. Санжиевой, умело сочетающей традиционное музыкальное культурное наследие с авторской фантазией. Следующие сборники бурятского автора, предназначенные для иочина, лимбы, хура и морин-хура, способствуют расширению образной сферы и поиску новых возможностей музыкального языка. Исполнительская популярность произведений Л. Н. Санжиевой в концертной и образовательной практике является важным свидетельством их востребованности и национального признания творчества композитора.
Метод моделирования, широко применяемый в культурологических исследованиях, позволяет представить полную картину анализируемого объекта и происходящих в нем явлений и процессов. В данной статье предлагается структурно-динамическая модель формирования академической музыкальной культуры в республиках Алтай, Тыва, Хакасия, которая способна отразить динамику её развития и конструктивные особенности в каждом отдельном историческом периоде. Такой подход создаёт возможности для комплексного анализа культуры как системной целостности, и, в то же время, как детерминированного открытого процесса, прослеживаемого в исторической динамике. Научная новизна исследования заключается в попытке выстроить общую для трёх южносибирских республик модель профессиональной музыкальной культуры академического типа в единстве её темпоральных и структурных характеристик. В опоре на предложенную теоретическую модель можно решать такие исследовательские задачи, как выявление синхронности и ассихронности процессов развития академической музыкальной культуры в разных регионах, установление сходства и региональных особенностей музыкальной культуры Алтая, Тывы и Хакасии. При построении структурно-динамической модели музыкальной культуры автор ориентировался на методологию системного подхода и концепцию диалога культур. Это позволяет рассмотреть анализируемый объект во всей его полноте и целостности, изучить состояния музыкальной культуры в аспектах взаимодействия традиционной и академической культур, в историко-культурном и общественно-политическом контекстах.
Статья посвящена выдающемуся австрийскому пианисту и композитору XIX столетия Сигизмунду Тальбергу. Цель – уточнение ряда аспектов его жизненного и творческого пути. Используя источниковедческий подход, автор анализирует научные и мемуарные работы, целый ряд которых впервые вводится в обиход российского музыковедения. В ходе исследования опровергаются некоторые устоявшие в музыковедении, в том числе российском, положения о раннем периоде жизненного и творческого пути Тальберга. Автор присоединяется к точке зрения, что отцом музыканта был князь Франц Иосиф фон Дитрихштейн, приобщая к уже известным доказательствам новое, найденное самостоятельно. Вместе с тем утверждается: распространённое мнение, что матерью Сигизмунда Тальберга была графиня Мария Быдескути фон Ипп нельзя считать вполне доказанным; возможно, таковой являлась баронесса Сюзанна Вецлар. Основное внимание уделено личности педагога Тальберга. Доказательно оспаривается фигурирующее в основных работах о Тальберге суждение, что им был И. Н. Гуммель. С точки зрения автора, главным наставником пианиста являлся К. Черни.
Статья посвящена исследованию оперы китайского композитора Тан Цзяньпина «А зори здесь тихие» (2015), созданной по мотивам знаменитой повести советского писателя Б. Л. Васильева (1969). Цель работы заключается в том, чтобы проанализировать введение русских музыкальных элементов в партитуру произведения и определить художественное значение данной межкультурной адаптации в контексте китайско-российского культурного диалога. Актуальность исследования подчёркивается юбилейным годом постановки спектакля и устойчивым интересом китайской аудитории к русской культуре. Основное содержание работы включает в себя анализ партитуры оперы в связи с авторскими комментариями Тан Цзяньпина о ходе творческого процесса, которые дополнены критическими отзывами, включая российские рецензии. Результаты исследования демонстрируют, что задействованные композитором русские песенные интонации образуют концептуальное ядро произведения. Автор использует систему лейтмотивов и лейттембров, приём стилизации русской оперной классики (П. И. Чайковский, композиторы «Могучей кучки»), цитирование русских народных и советских военных песен («Эй, ухнем!», «Камаринская», «Тропинка», «Дороженька», «Дубинушка», «Катюша»). Через обращение к данным средствам раскрываются характеры главных персонажей, усиливается эмоциональное воздействие в кульминационных сценах оперы и, в целом, формируется лирико-романтический образный строй на фоне эпического военного нарратива. Анализ подтверждает путь не механического заимствования, а глубокого усвоения и творческой стилизации китайским композитором русских музыкальных традиций. Признание художественных достоинств музыки, отмеченное российской критикой, подтверждает зрелость подхода автора оперы. Основной вывод исследования заключается в том, что опера Тан Цзяньпина является успешным примером кросс-культурного синтеза двух национальных традиций. Произведение стало значимым событием в китайском музыкальном театре, символом духовной связи и взаимного уважения культур, демонстрируя потенциал для дальнейшего глубокого созидательного взаимодействия Китая и России.
Объектом исследования в статье выступает додекафонно-сонористическая фантазия “Agnus Dei” петербургского композитора Сергея Екимова. Сочинение написано в 2023 году в преддверии 150-летнего юбилея Арнольда Шёнберга. В центре внимания авторов – жанрово-стилистические, языковые и композиционно-технические закономерности пьесы, рассматриваемые в ракурсе диалога с австрийским мастером. Концепция произведения интерпретируется как переход от дисгармонии к гармонии, от додекафонии к тональности, обогащенной сонорными элементами. Звуковая трансформация, обусловленная движением от парафонии к эвфонии, в рамках мемориального литургического жанра приобретает символический смысл, тогда как метаморфоза техники сочинения очерчивает эволюцию художественного мышления А. Шёнберга, стремившегося в своих поздних опусах к синтезу тональности и серийности. Делаются выводы о недогматическом подходе С. Екимова к додекафонии, обусловленном свободной трактовкой метода самим А. Шёнбергом.